Espectáculos, instalaciones interactivas, encuentros, conferencias y talleres. Canal Connect celebra la confluencia del arte, de la ciencia y la multiplicidad de nuevas tecnologías en la era digital… Arte, ciencia y tecnología se dan la mano en «Canal Connect«, una muestra que podremos disfrutar en los Teatros del Canal del 5 al 14 de marzo.
Las nuevas tecnologías están transformando la sociedad del siglo XXI e influyendo a su vez en los procesos creativos, dando como resultado nuevas formas de crear y propuestas artísticas innovadoras. El arte, la ciencia y la tecnología discurren por caminos paralelos, la creatividad encuentra en la tecnología digital y en la ciencia un aliado extraordinario.
Durante Canal Connect el Canal presenta en todos los espacios del teatro espectáculos, una exposición de instalaciones interactivas, workshops, mesas redondas, conferencias y talleres para todos los públicos. Para Máquina Loca, exposición que se podrá disfrutar en varios espacios del teatro, hemos contado con la curaduría de Charles Carcopino.
ESPECTÁCULOS
Ludotecnia. j. crowe. Género: propuesta audiovisual, electrónica, juguetes.
5, 6 y 7 de marzo. Sala Negra. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 45 minutos. País: España
Ludotecnia es una presentación audiovisual en vivo basada, fundamentalmente, en el uso de juguetes modificados. Elementos electromecánicos, lámparas y otros dispositivos son secuenciados y controlados, siendo a la vez parte de la construcción musical y la puesta visual. Pequeñas cámaras capturan las acciones sobre la mesa, lo que permite al público participar de lo que está sucediendo en el “escenario”. Con los juguetes como puente, Ludotecnia se presenta ante públicos de todas las edades, sin comprometer ni suavizar su propuesta audiovisual. Ludotecnia es un humilde homenaje a la generación VHS y las películas de televisión de sábado por la tarde, llenas de criaturas stop-motion, científicos locos, superpoderes e invasiones alienígenas.
SpaceTime Helix. Michela Pelusio. Género: performance, arte y ciencia, ambiente, drones, experimental, minimalista, ruido.
5, 6 y 7 de marzo. Sala Negra. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 30 minutos. Sobretítulos: performance de instrumento optoacústico. País: Italia.
SpaceTime Helix es una performance audiovisual que consiste en una gigantesca onda estacionaria giratoria que tiene como soporte una cuerda blanca, la cual genera una gran forma helicoidal que alcanza el techo. La superficie helicoidal es brillante y transparente, y está atravesada por ondas que desaparecen en el futuro, cada vez más distantes en el espacio-tiempo. Este trabajo pretende explorar las simetrías helicoidales y el infinito, las frecuencias y las geometrías, las partículas elementales y la física cuántica, así como las visiones y percepciones sónicas. La performance SpaceTime Helix es como un juego con la física y las partículas elementales. En la obra de Pelusio, un tema recurrente es el juego con los fenómenos físicos y naturales, ya que esto estimula la observación y la percepción de nuestro espacio interno y externo.
Tientos al Tiempo. Pablo Valbuena y Patricia Guerrero. Género: flamenco contemporáneo / performance audiovisual.
6 y 7 de marzo. Sala Verde. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 40 min. Países: España / Francia. Estreno absoluto.
Mirar el sonido, escuchar la luz, tentar el tiempo a través del flamenco. En el baile flamenco, la danza y el sonido tienen el mismo origen: el movimiento del cuerpo crea el ritmo sonoro. Ambos comparten la misma estructura temporal, formal y sonora a la vez.
El Tiento es uno de los palos flamencos. Es también el ejercicio del sentido del tacto, palpando algo que no se puede ver. Es la acción de examinar, tantear, probar, experimentar, instigar, inducir, estimular.
Tientos al Tiempo son una serie de experimentos que expanden el baile y el cante flamenco en el tiempo y en el espacio. Utilizan la luz y el sonido para aumentar los patrones rítmicos y formales del compás flamenco.
El resultado es una performance donde la esencia mestiza del flamenco se entrelaza, actualiza y amplifica con la capacidad trans-sensorial de los medios digitales.
Virages. Thibaud Le Maguer. Género: pieza coreográfica, sonora y luminosa.
6 y 7 de marzo. Sala Roja. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 50 minutos. País: Francia
Virages reúne a cinco individuos alrededor de una acción cotidiana: caminar. No obstante, este caminar resulta particular en el sentido de que tiene lugar en un espacio cerrado, lo que imprime a las trayectorias una circularidad necesaria, y se libera de la necesidad de llegar a un destino. No subsiste más que una dinámica, un impulso, un «ir hacia», y la ocasión de que un grupo inscriba, en presente, su propio deambular.
Initial Anomaly. System Failure. Género: danza / teatro.
10 y 11 de marzo. Sala Verde. Edad recomendada: para mayores de 13 años. Duración: 1 hora. Idioma: francés (con sobretítulos).
Tras System Failure y Human Decision, la compañía System Failure concluye con esta tercera parte su trilogía sobre en impacto de las nuevas tecnologías en la vida cotidiana. Initial Anomaly aborda los peligros y posibilidades del desarrollo de la inteligencia artificial. Inspirándose en las teorías transhumanistas, los miembros de la compañía System Failure se enfrentan a la idea de su propia muerte e imaginan un programa inteligente encargado de crear sus futuros espectáculos póstumos. ¿Sería posible que un algoritmo complejo que se ha alimentado con guiones de películas y series de ciencia ficción, y música y coreografías seleccionados por miembros del equipo, fuera capaz de reproducir el estilo de la compañía? En el escenario comparecen los personajes de los espectáculos precedentes, Michel, Véronique, Thierry y Helena, ahora convertidos en hologramas: criaturas virtuales, dotadas de una forma de inteligencia artificial, cuyas capacidades irán aumentando hasta alcanzar un punto de consciencia imprevisible. ¿Llegará el punto en el que superen a sus creadores?
Moving in Concert. Mette Ingvartsen. Género: danza
11, 12 y 13 de marzo. Edad recomendada: a partir de 16 años. Duración: 1h sin intermedio + 15 minutos en el vestíbulo. Sala Roja. País: Dinamarca
Moving in Concert imagina un universo en el que los humanos, la tecnología y la materia natural convive creando un conjunto abstracto de movimiento. Inspirándose en cómo los cuerpos se ven afectados sensorialmente por vivir en un mundo digitalizado, esta representación explora una poética de la plasticidad, la abstracción y la imaginación.
Tripods One. Moritz Simon Geist. Género: Performance, Style techno, electrónica, música electrónica robótica.
12, 13 y 14 de marzo. Edad recomendada: a partir de 7 años. Duración: 30-40 min. Sala Negra. País: Alemania
Tripods One es un robot sonoro futurista. Esboza un posible futuro para la interacción humana con las máquinas, que se define por las máquinas y la música electrónica.
El robot se acciona en directo y se toca como un instrumento musical. La escultura esconde varios generadores de tono mecánicos y físicos de pequeño tamaño que generan una serie de ruidos, que después se utilizan en un contexto musical. La máquina permite imaginar dispositivos sonoros futuristas en los que serán robots los que reproduzcan la música electrónica contemporánea. En esta performance, el artista aún está presente en el escenario, y controla e interactúa con la máquina.
MA. Maxime Houot. Género: performance.
12, 13 y 14 de marzo. Sala Negra. Duración: 20min. Edad recomendada: a partir de 7 años. País: Francia
MA es un espectáculo en directo, una coreografía futurista e hipnótica basada en composiciones de luz que se activan sobre un ballet de proyectores controlados pero impredecibles.
G5 INTER_ESPÈCES. Rocio Berenguer. Género: teatro / danza
13 y 14 de marzo. Edad recomendada: a partir de 8 años. Duración: 1 hora. Sala Verde. Países: España / Francia
G5 es un doble proyecto compuesto por un espectáculo, G5, y una instalación, LITHOSYS.
¿Qué futuro le espera a la especie humana? Lejos de los escenarios catastrofistas preconizados por los medios de comunicación, Rocío Berenguer imagina una utopía, una asamblea interespecies en la que se invita a las distintas categorías de seres -humano, animal, vegetal, mineral, máquina- a negociar conjuntamente las posibilidades de su existencia en común.
EXPOSICIÓN interactiva MÁQUINA LOCA 5-14 marzo
«¿El precio de la evolución exponencial de la tecnología es que el mundo se vuelva loco?
La humanidad se enfrenta hoy a grandes retos: desajuste climático, explosión demográfica, agotamiento de los recursos naturales… Si bien el progreso tecnológico da muchas razones para la esperanza, es necesario que esté guiado por un espíritu de filantropía y no por intereses individuales. La velocidad del progreso tecnológico acelera a toda la sociedad, que, según Paul Viriolo, siempre parece ir a la zaga de la tecnología que pretende, con dificultades, regular. ¿Podrán las máquinas, en tanto que encarnación del proceso tecnológico, pero también en tanto que prolongación del cuerpo y la conciencia humanos, ayudar a superar estos retos o, muy al contrario, precipitarán la caída de la humanidad, como preconizó primero Ricardo, a principios del siglo XIX, y después Marx?
¿La humanidad acabará devorada por un monstruo que es su propio hijo?
Estas cuestiones, que son más actuales que nunca, ya las planteó Charlie Chaplin en 1936 con su visionaria Tiempos modernos. En esta película, Charlot, un obrero pobre que trabaja en una fábrica, es, literalmente, tragado vivo por la máquina producto de un sistema que se ha vuelto loco por buscar más y más rendimiento…
INSTALACIONES (Edad recomendada: a partir de 7 años)
Dries Depoorter. Surveillance Speaker.
Sala Roja – vestíbulo planta 0 (junto a entrada pares). País: Bélgica. Idioma: inglés
Cámara rotatoria que persigue al público a la vez que describe lo que ve gracias a la utilización de una inteligencia artificial.
Surveillance Speaker es una instalación sobre la vigilancia y la inteligencia artificial. La obra presenta, de manera crítica, los últimos avances en materia de software de visión por ordenador.
Gracias al altavoz, sabemos lo que ve la máquina, porque lo enuncia en una frase que empieza por “Veo…”. Por ejemplo: “Veo tres personas mirando los cuadros de una exposición”. El público puede interactuar de forma lúdica con este ordenador que puede ver.
A Two Dogs Company / Kris Verdonck . ISOS
Sala Roja- vestíbulo planta 0 (pasillo). Estreno en España. País: Bélgica. Idioma: inglés
Edad recomendada: para mayores de 12 años
Concepto y dirección: Kris Verdonck
Dramaturgia: Marianne Van Kerkhoven, Kristof Van Baarle
Performers: Tawny Andersen, Hendrik De Smedt
Coordinación técnica: Jan Van Gijsel, Bram Waelkens
Estereografía: Niko Himschoot
Dirección de fotografía: Vincent Pinckaers
Diseño de sonido y composición electrónica: Peter Van Hoesen
Efectos de sonido: Céline Bernard
Producción cajas: Damien Gernay
Electrónica: Vincent Malstaf, Felix Luque
Vestuario: An Breugelmans
Luchadores de Jujitsu: Justin Candeloro, Joshua Fairfield
Producción: A Two Dogs Company
Con el apoyo de: EMPAC Rensselaer Polytechnic Institute (US), KC Nona (BE), Kaaitheater (BE), Pianofabriek (BE), Het Zuidelijk Toneel (NL), the Flemish Authorities and the Flemish Community Commission (VGC).
Jonathan Pêpe. Haruspices (2019). Sala Roja – vestíbulo planta 0 (pasillo)
Instalación neumática y evolutiva. Estreno en la Comunidad de Madrid. País: Francia. Idiomas: francés e inglés
Impresiones 3D en yeso, moldeado de silicona, tubos de PVC, catéter, vidrio, madera, plexiglás, ED, compresores, distribuidores, arduino mega, circuitos impresos, sillón de uso médico.
Creación: Jonathan Pêpe
Haruspices toma su título del arte adivinatorio etrusco que consistía en leer el futuro en las entrañas de los animales. Aquellas o aquellos que ejercían esta práctica servían de intermediarios entre dioses y hombres. De la misma manera, ha imaginado una ficción poniendo en escena una máquina que también sirviera de intermediaria entre los humanos y los dioses, leyendo el porvenir en sus propias vísceras. Compuesta por una caja torácica rígida que contiene cuatro órganos de silicona, el motor palpita al ritmo del humor determinado por los flujos de información proveniente de redes sociales (las publicaciones más populares de Twitter) que llegan en tiempo real, traducidas a cuatro emociones por la inteligencia artificial IBM Watson.
Las emociones insuflan mecánicamente los cuatro órganos artificiales. Cuando uno de los cuatro humores se descontrola, el dispositivo realiza una predicción, que toma la forma de una frase breve formada aleatoriamente a partir de los tuits.
Boris Petrovsky. REFLEX / TRIGGER (2020-21). Sala Verde – vestíbulo planta 0 (junto entrada pares)
Instalación perfomativa (uso de luces estroboscópicas). Estreno absoluto. País: Alemania
Material: tubos fluorescentes, semáforos, vidrio acrílico, aluminio, plato girando, cables, cable metálico, transformadores, elementos electrónicos.
Creación: Boris Petrovsky
Inicia un diálogo contigo mismo. Piensa tus pensamientos. Pregunta tus preguntas. Encuentra el momento adecuado. Observa. Sé paciente. Espera el zumbido. Descubre la respuesta. O no. Páralo. Sigue. Ambos. O haz algo diferente. Algunos personajes y hechos están basados en la realidad, pero otros son de ficción.
La nueva creación del artista alemán Boris Petrovsky es una instalación cinética compuesta de neones intermitentes que desvían los códigos de las señales urbanas.
Anaisa Franco y Lot Amorós. Love Synthesizer
Sala Verde – vestíbulo planta 1 (junto a entrada pares)
Instrumento audiovisual interactivo. País: España. (Desaconsejado el acceso a esta instalación a las personas con marcapasos).
Proyecto: Anaisa Franco y Lot Amorós
Programación: Antonio Vera
Love Synthesizer es una instalación artística que genera una orquesta de luz y de sonido cuando las personas se tocan en el interior de una semicúpula sensible. La obra trata de buscar una conexión mágica entre personas, en las que sientan la conexión de su cuerpo con el de otro en el interior de un instrumento musical gigante que se encargará de sintetizar los sonidos y las luces.
El público deberá descalzarse para entrar en el espacio central. Al caminar sobre el cielo de acero y tocarse, los sonidos y las luces responden al contacto que se acaba de materializar.
Gregory Chatonsky. El sueño de las máquinas (2014-2020)
Sala Verde – vestíbulo planta 2 (junto a entrada pares)
Estreno absoluto. País: Francia
Creación: Grégory Chatonsky
Una máquina sueña con una especie desaparecida. Ha recogido cientos de miles de datos de Internet y ha aprendido a generar similitudes. Relata la extinción de esta especie y tiene alucinaciones sobre su propia emergencia en un planeta devastado. Intenta adoptar una forma, convertirse en un rostro, pero sigue siendo inestable y plagada de dudas sobre sí misma. Un cuerpo humano atravesado por sí mismo descansa dentro de un centro de datos abandonado y espera que otro cuerpo tome su lugar.
Dries Depoorter. Jaywalking. Sala Verde – vestíbulo planta 0
Instalación interactiva que permite denunciar a los peatones poco disciplinados. País: Bélgica. Idioma: inglés
Con la ayuda de una cámara de vigilancia apartada, la instalación captura automáticamente y en directo a los paseantes que cruzan por puntos distintos del paso de peatones, y da a los visitantes la opción de denunciarlos a la policía.
Jaywalking nos permite observar las cámaras que vigilan la circulación y decidir la suerte de los peatones que cruzan de forma imprudente. Los monitores muestras las imágenes de vigilancia en directo y sin protección de distintos cruces en varios países. Dries Depoorter nos hace plantearnos el siguiente dilema: ¿denunciamos a los peatones imprudentes sin que nos tiemble el pulso? Basta con pulsar un botón para que se envíe un correo electrónico con una captura de pantalla en la que se muestra la infracción a la comisaría más cercana.
Dries Depoorter. Quick Fix. Sala Verde – vestíbulo planta 0 (pasillo)
Instalación, máquina expendedora de likes y seguidores. País: Bélgica. Idioma: inglés.
Quick Fix es una instalación interactiva. La obra permite comprar seguidores o likes en unos pocos segundos. Con unos pocos euros puedes hacerte con 200 likes en Instagram.
Quick Fix es fácil de usar. Elija su producto, pague e introduzca su nombre de usuario en las redes sociales. En pocos segundos recibirá elementos similares o seguidores. Las cuentas que le dan a like o que comienzan a seguirle son cuentas falsas.
Los productos de la máquina expendedora se pueden cambiar fácilmente. Vende likes y seguidores para las siguientes plataformas: Instagram, Facebook, YouTube, Twitter. El sistema de pago se puede configurar para que acepte cualquier divisa del mundo
Todos los pedidos quedan registrados en una base de datos junto con el lugar de la exposición, la fecha, la ciudad y el país.
Stanza. The Nemesis Machine – From Metropolis to Megalopolis to Ecumenopolis. Sala Verde – vestíbulo planta -3
País: Reino Unido
The Nemesis Machine – From Metropolis to Megalopolis to Ecumenopolis es una obra de arte en constante evolución, siempre diferente y siempre en expansión. Se trata de una instalación polisémica que integra conceptos como la propiedad de los datos, la vigilancia, el espacio-tiempo real y los entornos urbanos. Por defecto, nos hemos convertido en cómplices de la máquina de vigilancia mundial que se apropia de nosotros, los usuarios, como unidades de datos que recabar para obtener algún tipo de beneficio, económico o social.
La obra se desarrolla en tanto que una expresión a distintos niveles de un futuro basado en la tecnología con representaciones de big data, confidencialidad, vigilancia y control continuo. La instalación ofrece a los visitantes una vista de pájaro sobre un paisaje urbano cibernético, en el que los rascacielos están constituidos con silicio y circuitos impresos.
Doug Rosman. self-contained. Sala Verde – vestíbulo planta -3
Videoinstalación, animación experimentalEstreno en la Comunidad de Madrid. País: Estados Unidos. Duración: 21min, 55 seg (vídeo sin fin)
Una red neuronal entrenada para ver el mundo como variantes del cuerpo del artista pone en marcha un proceso de interpretación algorítmica que lucha con un cuerpo en tanto que sujeto de multiplicidad. Tras someterla a una formación consistente en más de 30.000 imágenes del artista, esta red de neuronas aprende a crear figuras humanoides surrealistas carentes de limitaciones físicas, biológicas y temporales; cifras que son simultáneamente una y varias. Los trajes y movimientos ejecutados por el artista para generar las imágenes de formación se han formulado específicamente para optimizar la legibilidad del artista dentro de este sistema de cálculo. La instalación explora la transformación algorítmica de nuestro cuerpo, tratando de responder a una cuestión: ¿cómo representarnos a través de un conjunto de datos?
UJOO + LIMHEEYOUNG. Machine with Hair Caught in it / Machine with Pink. Sala Verde – vestíbulo planta -3
Escultura cinética. Estreno en España. País: Corea del Sur. Con el apoyo del Centro Cultural Coreano.
Machine with Hair Caught in it
La máquina con el pelo atrapado es una escultura cinética que combina maquinaria de metal con un suave cabello negro. El dispositivo fue diseñado para aprovechar la delicadeza característica del cabello, produciendo un movimiento en el que los mechones se enredan y desenredan. En Machine with Hair Caught in it se produce un movimiento repetido a medida que los suaves y finos mechones de cabello se enredan y desenredan. Los movimientos emergentes y la estructura desconocida logran, a través de la combinación de material blando con la maquinaria metálica, evocar sensaciones de extrañeza en el espectador.
Desde 2015, Ujoo + limheeyoung han estado involucrados en proyectos que utilizan objetos cotidianos para crear dispositivos mecánicos con movimientos extraños y desconocidos. A través de estos proyectos, han desarrollado dispositivos mecánicos que evocan sensaciones de incomodidad: girar árboles en el aire, triturar y arrojar tubos de goma, retorcer el cabello, etc. Ujoo + limheeyoung se centran en los movimientos emergentes y desconocidos que resultan de la combinación de maquinaria con objetos ordinarios y cotidianos como trozos de cemento, cabello, árboles muertos, líquido rojo y caucho de silicona.
Rocio Berenguer. LITHOSYS. Sala Roja – vestíbulo planta 1 (junto a entrada pares).
Instalación interactiva. Estreno en España. Países: España / Francia. Idioma: francés (traducido a español)
Creación: Rocio Berenguer
Esta obra se inscribe dentro de la continuidad del proyecto G5 INTER_ESPÈCES.
La instalación consiste en un sistema de comunicación entre especies y seres vivos que sirve para comunicarse con toda forma de vida terrestre.
Este sistema se basa en la idea de utilizar el campo magnético terrestre como sistema de soporte entre todas las formas de vida del planeta. Una forma de Internet, una especie de banda magnética en la que poder transcribir toda la información necesaria para la organización del planeta y que fuera al mismo tiempo banda magnética, transcripción y magnetófono.
Boris Petrovsky. TRUE FALSE (2020-21). Centro Coreográfico Canal – Estudio 1
Instalación perfomativa (uso de luces estroboscópicas). Estreno absoluto. País: Alemania
Material: vidrio, neón gas, cable, cable metálico, transformadores electrónicos, interruptores de luminosidad.
Creación: Boris Petrovsky
Dado que su velocidad de parpadeo varía un mínimo con cada letra, hay una desincronización constante en el ritmo de parpadeo. Dentro de este juego polirrítmico, las letras parpadean simultáneamente unas con otras, o unas contra las otras, en combinaciones intermitentes. Cuando una palabra completa, sea “TRUE” o “FALSE” está completamente iluminada o apagada durante un momento, suena una alarma. También suena cuando las dos palabras, “TRUE” y “FALSE”, están completamente iluminadas o apagadas al mismo tiempo.
Se invita a los visitantes a formular un deseo y esperar la respuesta.
En esta instalación, el lenguaje de las máquinas se encuentra con el lenguaje humano: la formación de palabras de forma técnico-matemática y funcional se confrontan a una ética filosófica o cuasi religiosa. La sintaxis y la semántica se unen en un algoritmo. El on y el off de la máquina se dan la mano en las predicciones de “verdadero” y “falso” con las que este Oráculo, esta máquina, pretende dar respuesta a nuestras consciencias.
Louis Philippe Rondeau. LIMINAL. Centro Coreográfico Canal – Estudio 2
Instalación interactiva. Estreno en España. País: Canadá
LIMINAL es una instalación interactiva que pone de relevancia el inexorable paso del tiempo. Trata de materializar la frontera entre el presente y el pasado.
En un espacio oscuro, un arco luminoso. Se trata de un portal temporal: cuando el espectador interactúa con la obra atravesando este punto, su reflejo proyectado en el muro adyacente se ve desplegado en el tiempo gracias a la técnica de slit-scan.
Justine Emard. Supraorganism (2020). Centro Coreográfico Canal – Estudio 3
Instalación reactiva (uso de luces estroboscópicas). Estreno absoluto. País: Francia
Creación: Justine Emard
(Justine Emard es artista residente en ZKM | Hertz-Lab, parte de »EASTN-DC« cofinanciado por el Creative Europe Programme of the European Union, con el apoyo del Bureau des arts plastiques at the Institut français Deutschland.)
Supraorganism es una instalación reactiva compuestas de esculturas de vidrio robotizadas, animadas por un sistema de machine learning (un tipo de inteligencia artificial) y elaborada a partir de datos recogidos en una colmena de abejas.
Guardianas del equilibrio entre cielo y tierra, las abejas siempre han sido una fuente de inspiración para los pensadores. Observar su inteligencia es un indicador de nuestros ecosistemas, y se suelen invocar para entender el presente e imaginar el futuro.
:mentalKLINIK. PUFF OUT M_2101, 2021. Centro Coreográfico Canal – Estudio 4
Instalación performativa. Países: Turquía / Bélgica.
:mentalKLINIK atraviesa con indisimulada destreza las estrategias políticas invisibles y las dinámicas sociales mediante dispositivos ultracontemporáneos con una levedad solo aparente. Como la bola de luces de una discoteca, las proyecciones de :mentalKLINIK son una selección de su perspectiva multiforme del universo. Su mundo, que se resiste a los límites impuestos por un único léxico o estilo, es un universo lúdico lleno de atracción hedonista que puede vivirse como festivo y glamuroso, pero también sorprendente a medida que nos acercamos y descubrimos una violencia subyacente que sugiere un mal presentimiento tras la fiesta o el terrible principio del fin. Sus obras oscilan entre las actitudes emocionales y robóticas. Impele a todos los espectadores a la tarea de descifrar lo verdadero y lo falso, lo artificial y lo superficial, como si todo se tratara de un caso de falsificación.
Katerina Undo. Creature Cluster. Centro Coreográfico Canal – Estudio 5
Instalaciones específicas para este espacio. Países: Grecia / Bélgica
Circuitos de oscilador de forma libre, hilos metálicos, luces, cables de empalme, núcleo Axoloti.
Las criaturas son módulos autónomos que reciben su energía de las células fotovoltaicas para generar una serie de sonidos suaves y movimientos sutiles. Se desarrollaron con dos circuitos osciladores analógicos sencillos e inspirados en sendos organismos: el Suneater y el módulo Solar Sound. El Suneater (inventado por Mark Tilden) es un circuito concebido para recoger la energía de la luz para generar impulsos y movimientos minúsculos. El módulo Solar Sound (inventado por Ralf Schreiber) genera una gran variedad de sonidos suaves en función de la intensidad de la luz que toca su superficie solar. Es imposible construir circuitos idénticos: cada criatura es única.
Malachi Farrell. tribute to George Stinney 2020
Esta instalación hace uso de luces estroboscópicas. Centro Coreográfico Canal – Estudio 6. País: Irlanda. Con el apoyo de Humana.
Artista fascinado por la robótica y con una estética impregnada de cultura punk e industrial, Malachi Farrell crea teatros mecánicos que son verdaderas fábulas contemporáneas.
Estas coreografías de objetos, animados por circuitos electrónicos high-tech, cuyos planos diseña y ejecuta él mismo, están marcados por un imaginario desbordante y una carga emocional que favorece la toma de conciencia.
Li Yi-fan. important_message.mp4. Centro Coreográfico Canal – Estudio 6
Vídeo. País: Taiwán. Idioma: mandarín (con subtítulos en español). Duración: 17’25”
A través de la pantalla 3D de su cara, el artista taiwanés Li Yi-Fan crea un relato construido alrededor de las imágenes obtenidas a través de intenso trabajo de recogida en Internet. A partir de sus descubrimientos, que van del nacimiento al regreso de los zombis, mezclados con hechos históricos sobre un fondo de teorías de la conspiración, el artista retrata la deriva de una épica enferma, en la que la noción de realidad se pierde en los meandros de sus hallazgos en la red.
So Kanno. Lasermice. Centro Coreográfico Canal – Estudio 8
Instalación robótica (uso de luces estroboscópicas). Estreno en España. Países: Japón / Alemania. Duración: 5-15min
Equipo artístico y técnico: So Kanno
Lasermice es una instalación robótica en enjambre que se compone de 60 pequeños robots, que se inspira en la conducta sincronizada de insectos como las luciérnagas. Normalmente, la red que compone el enjambre es invisible, pero en este caso, los robots crean una red visible a través de la comunicación mediante láseres lumínicos fotodetectores.
Este tipo de sistemas se llama inteligencia de enjambre, y fue descubierto y analizado al observar animales similares como los pájaros, los peces, las abejas y las hormigas. Los humanos escuchamos el canto de los grillos o el croar de las ranas, observamos miles de pájaros, porque lo percibimos como algo bello. “Me preguntaba si sería posible hacer algo similar, algo que merezca la pena observar como si se tratara de un fenómeno natural, pero sin serlo”.
La base de este proyecto es la creación de fenómenos naturales de forma artificial.
